Pioneira. Talvez esta seja a palavra que mais se repita na biografia da atriz Ruth de Souza.  Primeira atriz negra a representar no Teatro Municipal do Rio de Janeiro, em 1945. Pioneira da TV brasileira na qual atuou em programas de variedades e musicais. Pioneira no teatro na TV com a peça “O filho pródigo”. Pioneira, ao lado de Milton Gonçalves e Aída Lerner, na criação de uma família negra de classe média na novela “Mandala”, de Dias Gomes, em 1987. E por aí vai. Por caminhos inimagináveis pela menina nascida, na década de 20, no Engenho de Dentro, filha de um casal de um lavrador com uma lavadeira.

A paixão começou com o cinema. Fonte do desejo de se tornar atriz em um país onde os artistas eram, em sua grande maioria, brancos.  Mas o Teatro Experimental do Negro, criado por Abdias do Nascimento e Agnaldo Camargo, foi o ponto de partida para Ruth que a levou à estreia no Municipal em “O Imperador Jones”, de Eugene O´Neil.  Apenas três anos depois, ela ganhou uma bolsa de estudos da Fundação Rockfeller para Howard University, exclusiva para negros, em Washington, partindo em seguida para a escola de teatro Karamu House, em Ohio. Pouco antes de partir, havia estreado no cinema, seara na qual estrelou mais de 30 filmes.

Com uma carreira que transita entre a tela grande e a tela pequena, Ruth de Souza ganhou popularidade através das novelas de TV e reconhecimento artístico através das produções para o cinema.  Em 1954, concorreu ao prêmio de melhor atriz no Festival de Veneza pelo filme “Sinhá Moça”, de Tom Payne e, mais recentemente, foi premiada no Festival de Gramado, de 2004, pelo trabalho em “As filhas do vento”, de Joel Zito Araújo.

Carreira invejável que a menina Ruth não podia nem mesmo imaginar… Mas que soube, como ninguém, construir!

Roberto Santos foi assistente de direção, produtor, roteirista, diretor e ainda teve a generosidade de compartilhar tudo que aprendeu ministrando aulas.  Afinal, ele é um daqueles que desde cedo foi seduzido pelo cinema através dos estudos que se iniciaram Centro de Estudos Cinematográficos de São Paulo, mantido pela Prefeitura, sob a coordenação de Alberto Cavalcanti nos idos da década de 50, foi quando decidiu abandonar as faculdades de Filosofia e Arquitetura e foi trabalhar nos estúdios da Multifilmes, na Companhia Vera Cruz e na Brasil Filmes.

Seria uma década e tanto para Roberto. Em 52, I Congresso Paulista do Cinema Brasileiro discutia a falta de brasilidade nas obras nacionais. Tema caro aos jovens Nelson Pereira dos Santos e Hélio Silva com os quais Roberto logo travou amizade. Em 53, estreou como assistente de direção em “O Homem dos Papagaios”, de Armando Conto. A partir daí foi só emendando trabalhos: esteve em “O Craque” e “Chamas no Cafezal”, de José Carlos Burle, ambos de 54. Depois fez “Paixão de Gaúcho” (1957), de Walter George Dürst, no mesmo ano em que dirigiria “Usina Votuporanga”, “Bahia com H”, “Viadutos de São Paulo”.  Ensaios para a estreia no longa-metragem com “O Grande Momento” (1957/58), realizado nos estúdios da Maristela, em regime de mutirão e lançando na tela grande nomes como Gianfrancesco Guarnieri e Milton Gonçalves.

Muitas outras produções seriam dirigidas por ele como “A Hora e a Vez de Augusto Matraga” (1965), baseada no conto de João Guimarães Rosa, com Leonardo Vilar encabeçando o elenco e música de Geraldo Vandré. Filme que venceu o I Festival de Brasília do Cinema Brasileiro e representou o Brasil no Festival de Cannes em 1966.

Nos anos 60 também se experimentou no roteiro com “Gimba, Presidente dos Valentes” (1963), de Flávio Rangel; “Juliana do Amor Perdido” (1969/70), de Sérgio Ricardo; “O Predileto” (1974), de Roberto Palmari; “Ponto Final” (1975) e “Parada 88, Limite de Alerta” (1977), ambos de José Anchieta Costa. Na mesma década também iniciou carreira como montador com “Subterrâneos do Futebol”, de Maurice Capovilla e “Viramundo”, de Geraldo Sarno, ambos em 1964/65.

Sua participação nas produções nacionais, em diversas atividades, se multiplicou ao longo das décadas, mesmo sendo sufocado pelo regime militar que o impediu de representar o Brasil no Festival de Berlim, em 1971, com “Vozes do medo”. Acabou se afastando do cinema e se aproximando da televisão indo fazer séries na  TV Cultura de São Paulo e, em seguida, trabalhando na TV Globo onde realizou vários documentários e adaptou obras literárias como “Sarapalha”, de João Guimarães Rosa, “O Poço”, de Mário de Andrade e “Antes do Baile Verde”, de Lygia Fagundes Telles. Acabou também aceitando o convite de Rudá de Andrade para dar aulas no recém-criado Curso de Cinema da USP (Universidade de São Paulo).

Em 1975, volta ao cinema com “As Três Mortes de Solano”, baseado no conto “A Caçada”, de Lygia Fagundes Telles, primeiro longa-metragem realizado com os alunos da USP.  Roberto Santos continuaria a produzir até final dos anos 80, quando, ao voltar do Festival de Gramado, sofreu um infarto.

Carlos Reichenbach, Carlão, meu maior amigo, meu maior parceiro, meu ideal de cinema, com quem tudo aprendi.
Um homem muito grande com uma generosidade também tão grande quanto o seu tamanho e o tamanho de suas mãos.
Mãos grandes que afagavam lápis e papel para escrever os seus roteiros de uma única versão, pois Carlão não escrevia várias versões de roteiro.

Este grande homem foi um dos maiores cineastas deste país e dividiu o seu cinema extremamente criativo com todos, e fazia com que todos também realizassem os seus cinemas e os seus sonhos.
Aí está a sua generosidade: dividir seu talento, responsabilidades e arte com todos.

Era um cinema mais pensativo, porém, bastante criativo, e que falava de uma São Paulo e seus personagens extremamente íntimos deste diretor, os quais amava e olhava o tempo inteiro em suas caminhadas pelo bairro de Higienópolis e pela Paulista, entrando e saindo de cinemas e parando em algumas bancas de jornais que era outro grande atrativo para o mestre Reichenbach.

Reichenbach partiu, mas deixa o seu legado importantíssimo para todos nós e para mim especialmente, um aprendizado e um ensinamento de cinema e de vida que jamais pensei ter em minha vida.

Obrigada, Carlão. Obrigada pelo seu cinema e obrigada pela sua generosidade.

Vamos estar sempre juntos com você no coração.

Sara Silveira

Talvez o que melhor defina a obra de Carlos Oscar Reichenbach Filho seja a ideia de fazer dialogar o erudito e o popular. Missão nada fácil, mas para a qual era necessária a paixão. Paixão pelo cinema que já se manifestou tão cedo nos muitos e longos percursos de bicicleta que fazia pela cidade de São Paulo, quando ainda garoto, para conhecer todas as salas de exibição. Na São Paulo que não era sua cidade natal – afinal, nascera, em 1945, em Porto Alegre – mas para a qual se mudou logo no primeiro ano de vida e onde trilharia seu caminho profissional se tornando um dos principais nomes da cinematografia paulista. Uma trajetória que começou na Escola Superior de Cinema São Luiz, espaço de troca de conhecimento com Roberto Santos, Anatol Rosenfeld, Paulo Emílio Salles Gomes, Mário Chamie, Décio Pignatari e Luiz Sérgio Person, seus mestres. E com Ana Carolina, Rogério Sganzerla, Jairo Ferreira, Ozualdo Candeias, Fauzi Mansur, alguns de seus colegas. E ele foi parar lá, na escola, em 1965, por sugestão de outro aluno, o amigo João Callegaro. Pensava em ser roteirista, enveredou pela fotografia – apesar do alto grau de miopia que carregava – mas acabou mesmo é assumindo o papel de diretor por obra, graça e pressão de um dos seus professores: Luiz Sérgio Person que até financiou seu primeiro curta-metragem “Esta rua tão Augusta”. Mas foi outra rua que fez sua história: a Rua Triunfo onde prosperou a produção da Boca do Lixo. Era marginal, era de autor, era popular uma produção que se sintetizou em 6 curtas-metragens, 4 episódios em longas e 15 longas-metragens nas quais foi roteirista e diretor – sem contar os muitos filmes comerciais e institucionais que fotografou na primeira metade da década de 70. Ele chegou Carlos Oscar em 14 de junho e partiu no mesmo dia, 67 anos depois, conhecido como Carlão, o homem erudito de apelido popular.

Carlos Diegues nasceu em Alagoas, no estado de Maceió em 1940. E tinha apenas 6 anos quando a família de pequenos proprietários rurais se mudou para o Rio de Janeiro. Cacá foi estudar no tradicional colégio de jesuítas Santo Inácio e depois ingressou na Pontifícia Universidade Católica para cursar Direito. Logo, assume a presidência do Diretório Estudantil e funda um cineclube juntamente com seus amigos: David Neves, Arnaldo Jabor e Paulo Perdigão entre outros e Cinema Novo carioca está em formação. A integração da política com a cultura manifesta-se em outras atividades que desenvolve enquanto ainda é estudante: Cacá dirige o jornal O Metropolitano, órgão oficial da UME (União Metropolitana dos Estudantes) e junta-se ao CPC (Centro Popular de Cultura) da UNE (União Nacional dos Estudantes).

É de dentro do CPC que surgirá seu primeiro projeto de filme profissional, em 35mm, é “Escola de samba alegria de viver”, um dos episódios do longa-metragem Cinco vezes favela, produzido em 1961. Mas antes disso, Cacá já havia dado seus primeiros passos nos curtas-metragens “Fuga” e “Domingo”. E, ainda, dirigiria um novo curta, em 1967: o documentário “Oito universitários”.

O primeiro longa-metragem vai surgir em 1964, “Ganga-Zumba”, que junto com “A grande cidade” (1966) e “Os herdeiros” (1969) compõem uma trilogia de utopias para o Brasil, que vivia os duros tempos da ditadura militar. E é justamente em 1968, um ano depois do AI-5, que Cacá decide sair do país ao lado da esposa, a cantora Nara Leão.

Mas Cacá ficou pouco tempo longe. Em 1972, já estava no Brasil para lançar “Quando o carnaval chegar”, seguido de Joanna Francesa em 1973. É na década de 70, que ele virá a experimentar um de seus maiores sucessos de bilheteria: “Xica da Silva” (1976), com uma Zezé Motta exuberante e uma série de metáforas sobre a vida política do país. Esta é também a década que se encerrará com a anistia política, com novos ares para o país em todas as áreas, no entanto, inquieto em suas reflexões sobre a arte, Cacá acaba por cunhar a expressão “patrulhas ideológicas” que serve até hoje para designar qualquer tipo de cerceamento a independência da produção cultural. Ainda que refletisse, escrevesse e discutisse sobre a arte e política no país, Cacá continuava filmando e na virada dos séculos lança mais dois sucessos: “Chuvas de verão” (1978) e “Bye bye Brasil” (1980). Afinal, este era o perfil que já se revelara em seus tempos de faculdade.

Sua produção cinematográfica dos anos 80 reúne 3 filmes: “Quilombo” (1984), “Um trem para as estrelas” (1987) e “Dias melhores virão” (1989). Mas uma crise se avizinhava com os anos 90: a produção cinematográfica do Brasil tem uma drástica redução, o mercado praticamente inexiste para o filme brasileiro. A saída que Cacá Diegues encontra é buscar parceira com a televisão e realiza em 1994, junto a TV Cultura, o filme Veja esta canção. Logo, no ano seguinte, a produção começa a viver o que foi chamado de Retomada. O ano era 1995 e, logo no ano seguinte, Cacá volta às telas grandes com “Tieta do agreste” (1996) seguido de “Orfeu” (1999) e “Deus é brasileiro” (2002), 3 adaptações de grandes obras da literatura e do teatro estreitando as relações que o diretor sempre teve com as mais diversas manifestações artísticas. Mas 2006 é o ano do retorno ao roteiro original com “O maior amor do mundo” escrito por ele mesmo, marcando o reencontro com alguns de seus colaboradores como o ator José Wilker.

É em 2007, dá-se início um projeto no qual Cacá Diegues como supervisor e artífice: um novo Cinco vezes favela. Agora, roteirizado, dirigido, interpretado com equipe técnica composta por moradores de comunidades cariocas. Sob o nome de “Cinco vezes favela – Agora por nós mesmos”, o projeto promove um retorno reflexivo aos debates dos anos 60 revelando os novos tempos. Agora, não é mais o intelectual de classe média que fala sobre as favelas. Não há mais necessidade de intermediários: cada um pode falar por si mesmo. Cacá Diegues une as pontas: o artístico, o intelectual, o político encontra-se nas novas histórias que surgem nas ruas e nas telas.